Femme au chapeau matisse

Les deux présentent des schémas de couleurs similaires qui faisaient partie intégrante du mouvement fauviste, dont Matisse était l’un des contributeurs les plus connus. Tout au long de sa carrière, il s’impliquera dans une multitude de mouvements artistiques différents ainsi que dans une variété de techniques différentes, bien que le fauvisme reste un élément clé de son œuvre finale.

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Le tableau a reçu de nombreuses critiques lors de sa première exposition, mais au fil du temps, ce style de couleur a fini par convaincre les critiques de ses mérites.

Le terme pour ce mouvement artistique vient du français pour « bêtes sauvages » qui est précisément la façon dont les artistes qui ont produit des œuvres de cette manière ont été initialement décrits. Il est facile de comprendre pourquoi ils ont dû faire face à tant de résistance lorsque l’on considère les combinaisons de couleurs extraordinaires qui ont marqué un nouveau moment dans le développement de l’histoire de l’art.

Il a remis en question les normes du monde de l’art et les critiques mettent généralement du temps à s’adapter à ces nouveaux développements. Femme au chapeau utilise des couleurs qui n’auraient jamais été utilisées dans l’art du portrait auparavant. Leur combinaison se heurtait également à un modernisme agressif qui évitait toute subtilité.

Le style expressif d’artistes comme celui-ci bénéficierait de la montée en popularité de la photographie, qui réduisait le besoin de portraitistes réalistes qui avaient dominé au cours des siècles précédents en remontant à la Renaissance. Les peintres devaient désormais offrir autre chose qu’une représentation fidèle et c’est là que les membres de mouvements artistiques tels que l’expressionnisme et le postimpressionnisme seraient considérés comme précieux et hautement qualifiés.

Matisse lui-même a trouvé sa propre niche, capturant des éléments de la vie française au début du XXe siècle avec une luminosité jamais vue auparavant. On peut voir des similitudes avec le travail d’artistes allemands tels qu’August Macke et Ernst Ludwig Kirchner , bien qu’ils aient utilisé des tons sombres pour un plus grand contraste.

Amélie Matisse, la femme de l’artiste, est le modèle féminin qui pose ici. Son style vestimentaire est typique de la bourgeoisie française, avec des gants à manches longues et un éventail. Elle a l’air élégante et chic, ce à quoi son mari aurait sans aucun doute été à la fois fier mais aussi ravi d’avoir un contenu aussi riche à partir duquel travailler. Elle a une expression sérieuse, sans doute comme l’a demandé Henri, et elle regarde à notre gauche.

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Son visage est mince, sans la moindre suggestion d’autre chose que de la beauté et on peut comprendre comment elle en est venue à être utilisée comme muse par son mari à tant d’occasions. Sa pose ressemble à celle d’un mannequin professionnel, ce qui suggère qu’elle l’a déjà fait plusieurs fois auparavant. Sa robe est dans des tons de vert et de bleu, avec une ceinture rouge vif coupée horizontalement. Ses cheveux sont châtain clair,

Avec cette œuvre d’art arrivée en 1905, Matisse connaissait une nouvelle direction dans sa carrière. Il s’éloignait de ses peintures antérieures qui avaient fourni une plus grande clarté de forme – il souhaitait désormais s’appuyer davantage sur des méthodes expressionnistes qu’un format réaliste. La couleur a joué un rôle important dans la construction de la forme au sein de ces nouvelles compositions, Le Bonheur de Vivre en étant un autre exemple.

Cette réduction de détail donnerait l’apparence d’une pièce d’étude dans les générations précédentes, mais elles devaient désormais être considérées comme des œuvres d’art achevées, livrées dans une construction moderne. Ce changement explique comment certains ont eu du mal à exclure des styles d’art plus modernes, la voie de l’abstraction étant encore avancée par des artistes comme Miro, Picasso (un ami personnel et rival de Matisse) et Kandinsky.

Cette pièce étonnante se trouve dans la collection du musée d’art moderne de San Francisco. Il a changé de mains plusieurs fois et a finalement été donné à cette institution des beaux-arts en 1990 par Elise S. Haas, dans le cadre d’un groupe d’œuvres plus large comprenant des peintures d’une variété d’artistes apparentés ainsi qu’un certain nombre de sculptures.

Alors qu’il y avait déjà une impressionnante sélection d’œuvres à découvrir sur le site, elle a été encore améliorée avec certains des points forts des œuvres d’art offertes ici. La pièce mesure 80,65 cm × 59,69 cm (31 3⁄4 po × 23 1⁄2 po) et est considérée comme l’une des peintures les plus célèbres issues de la carrière de Matisse ou du mouvement fauviste plus généralement. Il est également important dans l’histoire de l’art de constater que le rejet initial de la couleur est ensuite accepté puis vraiment aimé.

Femme au chapeau est l’un des tableaux les plus connus du peintre français Henri Matisse. Réalisée en 1905, l’œuvre représente l’épouse de l’artiste Amélie Parayre habillée de façon bourgeoise. La touche très libre, la lumière frontale et surtout l’emploi de couleurs vives outrepassant toute forme de mimétisme font d’elle l’un des premiers exemples de fauvisme. Le tableau était d’ailleurs exposé au Salon d’automne de 1905 où la présentation de toiles de Matisse, Vlaminck et Derain donna son nom au mouvement.

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Gertrude et Leo Stein, Américains passionnés d’art français, achetèrent l’œuvre peu de temps après sa présentation. Vers 1906, il est accroché dans leur appartement rue de Fleurus.

Elise Stern Haas (1893-1990 – héritière de la fortune de la famille Levi-Strauss) acquit le tableau en 1948 de Michael Stein (le frère de Gertrude Stein) et son épouse Sarah. Elle le légua, avec plus de 30 autres tableaux, au musée d’art moderne de San Francisco en 1991 où il est l’œuvre la plus importante de la collection permanente du musée mais ne peut être ni prêté ni vendu.

Perhaps the most influential artist of the 20th century, Pablo Picasso may be best known for pioneering Cubism and fracturing the two-dimensional picture plane in order to convey three-dimensional space. Inspired by African and Iberian art, he also contributed to the rise of Surrealism and Expressionism. Picasso’s sizable oeuvre grew to include over 20,000 paintings, prints, drawings, sculptures,ceramics, theater sets, and costume designs. He painted his most famous work, Guernica (1937), in response to the Spanish Civil War; the totemic grisaille canvas remains a definitive work of anti-war art. At auction, a number of Picasso’s paintings have sold for more than $100 million. The indefatigable artist has been the subject of exhibitions at the world’s most prestigious institutions, from the Museum of Modern Art and Centre Pompidou to the Stedelijk Museum and Tate Modern.

Le Fauvisme est le style attribué aux artistes fauves, c’est un des premiers mouvements « modernes », en effet il fait parti des courants avant-gardistes, c’est à dire de courants prenant part au XXeme siècle et se voulant nouveaux par leur approche de l’art.

Selon histoiredelart.net, « La peinture fauve s’attache particulièrement au travail de la couleur. Les œuvres sont facilement reconnaissables par l’emploi sur de larges surfaces de couleurs aux teintes éclatantes. Les images figuratives tendent, par la simplification des formes, à une certaine ébauche d’abstraction. »

Attardons nous sur une des œuvres fard de l’artiste Henry Matisse, pionnier du Fauvisme.

La femme au chapeau, est une des œuvres les plus connues de Henri Matisse, réalisée en 1905, et qui représente la femme du peintre.

Cette dernière est assise de profil, la tête tournée vers le spectateur, elle a un regard tendre et son visage semble calme. Le peintre ne veut pas décrire sa femme à travers cette œuvre, mais nous faire ressentir la manière dont il la perçoit. Il veut nous rendre compte de l’éclat qu’elle crée.

Le mode de représentation est simple, typique du fauvisme. En effet les couleurs sont ici très vives, elles sont utilisées telles quelles, sans transformation par mélange. Les touches vives et rapides traduisent les émotions de l’artiste, il n’y a pas d’effet de profondeur et de volume.

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Pour finir, si on devait résumer cette œuvre en quelques mots: aplats colorés, simple et émotions.