Tamara en bugatti verte

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Autoportrait (Tamara dans une Bugatti verte)

est une peinture de Tamara de Lempicka (nom familier de Tamara Łempicka), qui la capture à l’essor de sa carrière et est devenue son image emblématique. Bien que ce portrait ait aussi un grain de fiction, tout comme sa biographie scandaleuse, qu’elle a remodelée à sa discrétion.

Le charme impudique de Bugatti

La légende raconte que l’éditeur du magazine de mode allemand le plus influent a été submergé par la vue d’une artiste bohème sortant de sa voiture devant un hôtel de luxe à Monte Carlo. Élégante, indépendante et émancipée, elle ressemblait à un modèle idéal pour les lecteurs avancés du magazine Die Dame, alors l’éditeur a immédiatement commandé à Lempicka son autoportrait pour la couverture du prochain numéro.

Sans un instant d’hésitation, d’un léger mouvement de la main, Tamara transforma sa petite Renault jaune en une Bugatti chromée étincelante, jugeant à juste titre qu’elle mettrait bien mieux en valeur sa brillance aristocratique. Elle n’a pas pris en compte un seul petit détail: jusqu’en 1963, les voitures de cette marque avaient été produites avec une conduite à droite. Cependant, cela n’a pas empêché l’Autoportrait de faire la couverture d’un magazine populaire de faire beaucoup de bruit et d’obtenir le titre de «l’hymne de la femme moderne».

Autre détail curieux: un an plus tôt, le populaire hebdomadaire français Vu

Cela résume Tamara: rien ne pouvait l’arrêter sur le chemin du succès – ni le ridicule franc des autres, ni les ragots sur ses affaires, qui lui faisaient plus de publicité que ses propres talents artistiques, ni même les accusations de plagiat.

Chic bohème

Son don qui a fait d’elle l’artiste de salon la plus célèbre de Paris des années 1920 et l’une des artistes les plus chères pendant un certain temps, consistait davantage en un calcul et une compréhension sobres du fonctionnement du marché de l’art que des sphères du grand art.

Lempicka a parfaitement compris qu’elle pouvait gagner beaucoup d’argent (et c’était son objectif, car après avoir fui la Russie de la révolution, son mari aristocrate est tombé dans la dépression et ne pouvait pas subvenir aux besoins de sa famille) en peignant des portraits de la noblesse. Et pour que les clients aisés s’alignent, il fallait se briller. Et elle savait comment le faire pas comme les autres.

La concurrence était forte à cette époque:

«Quand j’ai commencé à peindre, de nombreuses femmes ont commencé à peindre,

»L’artiste a partagé ses souvenirs. « 

Plus de femmes l’ont fait alors que d’hommes.

«Et pour entrer dans le monde supérieur, elle a dû faire de gros efforts, même si elle devait dépenser la totalité des frais pour ses premières peintures sur des bijoux ou louer une cape de vison.

La réputation scandaleuse de Lempicka et le train de nombreuses affaires avec des hommes et des femmes étaient sur sa main dans cette affaire. Les artisans n’ont pas seulement été pardonnés pour cela, mais, au contraire, les peintures des créateurs excentriques ou complètement extravagants ont toujours été mieux vendues.

Cependant, à son honneur, pour toute la prévenance de sa stratégie et son amour pour la haute société, Lempicka était sincère dans sa passion de marcher sur le bord, Elle a eu le privilège de «tout essayer» que permettait le style de vie bohème.
«Je vis en marge de la société, et les règles de la société normale n’ont pas d’importance pour ceux qui sont en marge», ce principe de vie de l’artiste pourrait devenir la devise d’un des célèbres admirateurs de l’œuvre de Lempicka. La diva pop Madonna non seulement

peintures de l’une des premières icônes d’émancipation et destructrice morale, mais elle aussi

les a utilisés

dans le décor de plusieurs de ses vidéoclips et dans la conception des décors de ses tournées mondiales.

Écrit par Natalia Azarenko

est une peinture de Tamara de Lempicka (nom familier de Tamara Łempicka), qui la capture à l’essor de sa carrière et est devenue son image emblématique. Bien que ce portrait ait aussi un grain de fiction, tout comme sa biographie scandaleuse, qu’elle a remodelée à sa discrétion.La légende raconte que l’éditeur du magazine de mode allemand le plus influent a été submergé par la vue d’une artiste bohème sortant de sa voiture devant un hôtel de luxe à Monte Carlo. Élégante, indépendante et émancipée, elle ressemblait à un modèle idéal pour les lecteurs avancés du magazine Die Dame, alors l’éditeur a immédiatement commandé à Lempicka son autoportrait pour la couverture du prochain numéro.Sans un instant d’hésitation, d’un léger mouvement de la main, Tamara transforma sa petite Renault jaune en une Bugatti chromée étincelante, jugeant à juste titre qu’elle mettrait bien mieux en valeur sa brillance aristocratique. Elle n’a pas pris en compte un seul petit détail: jusqu’en 1963, les voitures de cette marque avaient été produites avec une conduite à droite. Cependant, cela n’a pas empêché l’Autoportrait de faire la couverture d’un magazine populaire de faire beaucoup de bruit et d’obtenir le titre de «l’hymne de la femme moderne».Autre détail curieux: un an plus tôt, le populaire hebdomadaire français Vu a placé une œuvre de l’artiste photo André Kertés, représentant une jeune femme conduisant une voiture de sport, sur leur couverture. Le modèle a montré un total look d’Hermès: un ensemble de sport, des gants et un casque en cuir – exactement le même que dans l’autoportrait de Tamara Lempicka. C’est évidemment cette photographie du célèbre maître qui a inspiré Tamara pour ce tableau.Cela résume Tamara: rien ne pouvait l’arrêter sur le chemin du succès – ni le ridicule franc des autres, ni les ragots sur ses affaires, qui lui faisaient plus de publicité que ses propres talents artistiques, ni même les accusations de plagiat.Son don qui a fait d’elle l’artiste de salon la plus célèbre de Paris des années 1920 et l’une des artistes les plus chères pendant un certain temps, consistait davantage en un calcul et une compréhension sobres du fonctionnement du marché de l’art que des sphères du grand art.Lempicka a parfaitement compris qu’elle pouvait gagner beaucoup d’argent (et c’était son objectif, car après avoir fui la Russie de la révolution, son mari aristocrate est tombé dans la dépression et ne pouvait pas subvenir aux besoins de sa famille) en peignant des portraits de la noblesse. Et pour que les clients aisés s’alignent, il fallait se briller. Et elle savait comment le faire pas comme les autres.La concurrence était forte à cette époque:»L’artiste a partagé ses souvenirs. « «Et pour entrer dans le monde supérieur, elle a dû faire de gros efforts, même si elle devait dépenser la totalité des frais pour ses premières peintures sur des bijoux ou louer une cape de vison.La réputation scandaleuse de Lempicka et le train de nombreuses affaires avec des hommes et des femmes étaient sur sa main dans cette affaire. Les artisans n’ont pas seulement été pardonnés pour cela, mais, au contraire, les peintures des créateurs excentriques ou complètement extravagants ont toujours été mieux vendues.Cependant, à son honneur, pour toute la prévenance de sa stratégie et son amour pour la haute société, Lempicka était sincère dans sa passion de marcher sur le bord, Elle a eu le privilège de «tout essayer» que permettait le style de vie bohème.«Je vis en marge de la société, et les règles de la société normale n’ont pas d’importance pour ceux qui sont en marge», ce principe de vie de l’artiste pourrait devenir la devise d’un des célèbres admirateurs de l’œuvre de Lempicka. La diva pop Madonna non seulement recueille la

C’est que la belle, en mondaine revendiquée, file imperturbablement sur la voie de l’émancipation, mains gantées au volant d’une automobile, de course qui plus est, cette mécanique prestigieuse toute masculine et individualiste.

Et nous voilà spectateurs, scrutés, évalués et fatalement séduits. Vite dépassés aussi. Le regard est concédé, sourcils épilés et coupe à la garçonne des « années folles », séducteur, provocant, maître car ne s’abandonnant pas, prêt à dévorer. Puis se devine voire s’impose le poids du pied sur l’accélérateur…

Et c’est ainsi que va l’aristocrate, issue de Moscou, Varsovie et Saint-Pétersbourg, à Lausanne, Paris ou New-York encore, sans oublier les rivages du lac de Garde ou le Mexique où elle s’éteindra. Goutant à tous les plaisirs, stimulée par les interdits, nourrie des talents qui l’abordent avec fascination, le tout dans une liberté éclatante, faisant fi du scandale qu’elle génère.

Et la dame est furtive aussi, casquée pour affronter le destin qu’elle se choisit, écharpe au vent qui balaie l’Europe sortie exténuée de la Grande guerre, cette guerre totale bouleversant l’ordre ancien qui est celui de la soumission.

Et ces yeux, ne sont-ils pas mystérieux comme le noir devant lequel se déploient des aplats de couleurs chantant les mêmes nuances d’ombres et de lumières, de la carrosserie au visage, en passant par les textiles ? Quant au vert, celui sans doute de la vie et de la promesse, celui qui tend la poignée à qui veut la saisir, ne porte-t-il pas le rouge de ces lèvres sensuelles tracées en cœur ardent ?  

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Dossier de Moro/Damiens

e siècle ».
OEUVRES RETENUES : « La maternité » de Pablo Picasso et « Autoportrait dans la Bugatti verte » de Tamara Lempicka.

Depuis toujours, les femmes ont eu la même place dans une société presque exclusivement masculine & ce n’est qu’au XXème siècle que la condition féminine a commencé à évoluer, les modes de vies a changé et surtout les mentalités.

« LA MATERNITE » Pablo Picasso, 1905 Tableau
Cette œuvre a été peinte pendant la période rose de l’artiste. Ce tableau représente une jeune mère, allaitant son nourrisson. Elle le regarde tendrement. Elle est vêtue de rose, marquant la période de l’artiste. Cette couleur exprime la tendresse et le bonheur. Ici, le bonheur de la maternité. Au premier plan, le rose est mis en valeur tandis qu’à l’arrière plan c’est le bleu qui domine. Les traits légers et les couleurs douces sont là pour accentuer la tendresse de cette œuvre. On ne sait rien de cette femme ni de cet enfant. C’est une toile douce, fragile et pleine de tendresse. Picasso est un homme et a pourtant réussi à capter la douceur de ces moments alors qu’il n’est que spectateur.
La période rose de Pablo Picasso 1904-1906
C’est l’utilisation des teintes rougées qui explique cette dénomination. Les thèmes abordés sont la joie et l’inquiétude existentielle. Il reste mélancolique et dominé par l’amour. Picasso privilégia pendant cette période, le travail sur le trait, le dessin, plutôt que sur la couleur… C’est aussi l’époque des maternités roses. (La maternité, Famille au bord de la mer et Mère et fils)

Pablo Picasso
Pablo Ruiz Picasso, peintre, dessinateur, graveur, sculpteur, céramiste, est né à Málaga, en Espagne, le 25 Octobre 1881, et meurt a Mougins, en France, le 8 avril 1973, donc âgé de 92 ans. Son père était professeur à l’École des beaux-arts et Picasso y fut admis en tant qu’élève âgé de 14 ans. Deux ans plus tard il intègre l’Académie royale de Madrid.
Ses travaux sont exposés pour la première fois à Barcelone. À la même époque, un bordel du « Carrer d’Avignon » lui inspire un tableau s’intitulant « Les Demoiselles d’Avignon ». Ce tableau fut l’un des plus célèbres de Pablo Picasso.
Il s’installe définitivement dans un pitoyable atelier de Montmartre au « Bateau-lavoir » en 1904. En 1905, Picasso fait la connaissance de Fernande Olivier devant son atelier. Grâce a elle, il fréquente de célèbres artistes, comme le poète Guillaume Apollinaire. Cette époque heureuse marque le début de sa période rose.
Pablo Picasso est considéré comme le fondateur du cubisme, avec Georges Braques.
Pablo Picasso se marie avec Olga Kholkhlova en 1918, un an après leur rencontre. En 1921, ils deviennent parents de Paul. Olga et Picasso se sont rencontrés aux ballets russes, l’endroit où travaillait Picasso temporairement et où Olga était danseuse étoile.
Dès 1925, son travail se rapproche de l’art surréalisme. Pablo préfère se consacrer de plus en plus à la sculpture.
Picasso, peint la gigantesque toile « Guernica ». Cette œuvre est aussi appelée « Instrument de Guerre ». Pablo Picasso devient, grâce a cette toile, un membre du Parti Communiste.
Il entame une nouvelle carrière de céramiste à la fin des années 40, après s’être installé à Vallauris, en Provence. Il réalise ses dernières œuvres à ce moment de sa vie. Aussi bien des peintures, des sculptures, que des terres cuites et autres objets hétérogènes. Il déménage ensuite à la Villa Californie dans la baie de Cannes, au Château de Vauvenargues au pied de la Montagne Sainte-Victoire, et au bas de Notre-Dame de vie à Mougins. Ses lieux ont été rendus célèbres grâce à ses œuvres.
Pablo Picasso à Réalisé en tout, 50 000 œuvres, dont 8 000 Tableaux.
Voici certaine de ses œuvres :
– Buste de femme, 1907
– Le minotaure, 1928
– L’aubade, 1942
– La pisseuse, 1965

Célèbre citation de Pablo Picasso: « L’art n’est pas chaste, on devrait l’interdire aux ignorants innocents, ne jamais mettre en contact avec lui ceux qui y sont suffisamment préparés. Oui, l’art est dangereux. Ou s’il est chaste, ce n’est pas de l’art. »

« AUTOPORTRAIT DANS LA BUGATTI VERTE » Tamara de Lempicka, 1927
Tableau
Cette œuvre néo-réaliste de la période Art Déco représente Tamara de Lempicka dans une voiture de sport de couleur verte. On peut considérer cela comme le portrait fidèle d’une femme indépendante qui s’affirme dans un monde encore viril et très masculin.
Cette femme mystérieuse est représentée au volant d’une voiture alors qu’à cette époque, la conduite était réservée aux hommes, et encore plus la conduite de voitures de sport. Ses vêtements, notamment son casque et ses gants accentuent son allure sportive et elle arbore un maquillage exubérant sur un visage très féminin tout en se montrant dans une conduite masculine. Elle est habillée de façon sobre, en opposition avec la voiture verte très voyante. Sous son masque une suppose une coupe garçonne.
Les couleurs sont sombres, pour mettre en valeur les couleurs vives de la voiture et du maquillage de la femme. Les jeux de lumière font ressortir le visage de Tamara de Lempicka et la mettent en valeur.
L’orientation verticale, dite « portrait » donne une sensation d’action et de proximité.
On appel le cadrage « Plan poitrine ». Il met en valeur le visage et la poitrine de la femme.
Ce genre d’attitude et de style vestimentaire prouvent que c’était une femme émancipée.

Tamara de Lempicka, née Maria Gorska le 16 mai 1898, à Varsovie en Pologne, et décédée le 18 mars 1980 à Cuernavaca, au Mexique est la peintre polonaise la plus célèbre de la période Art déco. Brillante, belle & audacieuse, inclassable, mystérieuse et contradictoire, elle a fait de sa vie une succession de mises en scènes très élaborées. Elle prône le luxe et la modernité. Elle aimait avant tout les femmes mais s’est mariée deux fois.

Biographie
Fille de Boris Gorski, un juif russe et d’une mère polonaise, son enfance se passe dans un milieu aisé et cultivé entre Saint-Pétersbourg, Varsovie et Lausanne.
En 1914, elle est retenue par la guerre à Saint-Pétersbourg où elle s’inscrit à l’Académie des Beaux-Arts. Elle épouse Tadeusz Lempicki, un jeune avocat polonais en 1916. La révolution d’octobre bouleverse sa vie et après un détour par Copenhague, elle gagne Paris où elle est recueillie par ses cousins qui l’ont précédée dans l’exil. Tamara commence alors avec beaucoup de ténacité une carrière de peintre.
En 1920, à l’Académie Ranson, elle reçoit l’enseignement de Maurice Denis et à l’Académie de la Grande Chaumière celle d’André Lhote. C’est là qu’elle forge petit à petit son style qui, dans une synthèse inattendue de l’art maniériste de la Renaissance et du néo-cubisme, va coller parfaitement à son époque. L’envol de sa carrière coïncide avec sa première exposition personnelle à Milan, en 1925.
C’est là qu’elle fait la connaissance de Gabriele d’Annunzio et de son entourage, aussi aristocratique qu’excentrique. De retour en France, elle participe pleinement à la vie artistique et mondaine parisienne où elle rencontre de nouveaux modèles :
André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés…
En 1929, appelée par Rufus Bush, un riche américain qui lui a commandé le portrait de sa fiancée, Tamara fait son premier voyage à New-York. Tamara de Lempicka occupe une place à part dans l’art du XXe siècle : malgré une production peu abondante, ce sont ses peintures qui sont choisies le plus souvent aujourd’hui lorsqu’il s’agit d’illustrer les années folles de l’entre-deux-guerres. Ses modèles se caractérisent par des regards interrogateurs et sensuels, une bouche pulpeuse pour les femmes et pincée pour les hommes, des couleurs vives, mais en nombre limité, mises en valeur par des fonds gris ou noirs. Derrière une stylisation néo-cubiste, qui les situe parfaitement dans leur temps, les portraits de Tamara de Lempicka ne négligent aucune des magistrales recettes de composition qui furent élaborées par ses grands prédécesseurs de la Renaissance italienne.

Les années folles 1920-1929
Les Années folles recouvrent la période des 1920 comprise entre la fin de la première guerre mondiale et la crise économique et sociale à partir de 1929.
Durant ces années, Montmartre et Montparnasse deviennent les noyaux d’un renouveau artistique et culturel majeur. De nouvelles danses, des nouvelles modes et des formes d’art naissent durant cette période.
C’est pendant ces neuf années que Tamara de Lempicka a fait sa meilleure période, dont « l’autoportrait dans la Bugatti verte ».
Comparaison
L’œuvre de Picasso, plus ancienne, offre une image conventionnelle, traditionnelle et douce de la femme. Il nous montre le côté maternel et protecteur de la femme. Tandis que Tamara de Lempicka, dévoile une nouvelle facette de la gente féminine en dessinant une femme au regard sûr, déterminé… Une femme EMANCIPEE !
Entre l’époque de Pablo Picasso et celle de Tamara de Lempicka, on remarque une très nette évolution de la condition et de la mentalité féminine.
Pour résumer, la condition féminine n’a pas encore vraiment évoluée. Les femmes comme Tamara De Lempicka sont une minorité et sont considérées comme des  »rebelles ».
L’émancipation de la femme met du temps et encore aujourd’hui, dans certains pays, les femmes ne sont pas  »libres » et n’ont pas les mêmes droits que les hommes.
Nous avons choisi ces deux œuvres car nous trouvons que le contraste entre ces deux tableaux, ces deux artistes, ces deux époques était très intéressant. Picasso voyait le côté doux & sensible des femmes alors que le tableau de Tamara de Lempicka résonne comme une provocation.

La garçonne
Le terme « garçonne » qualifie un courant de mode du XXème siècle, qui s’est manifesté pendant les années folles. La garçonne naît à proprement parler dans les années folles. Incarnation de la liberté sous toutes ses formes : sociales, intellectuelle, politique et sexuelle, la garçonne ouvre la voie au féminisme. En optant pour un look définitivement masculin elle envoie un signal fort, provocateur et revendicateur : « Je suis l’égale de l’homme. ».
Ainsi, elle compte bien accéder aux privilèges de son alter ego : le cigare, le sport, les voitures et les jolies filles.
Au-delà d’un style propre aux années 1920 ( Les années folles ), le phénomène garçonne, né de l’émancipation des femmes et d’une revendication pour l’égalité des sexes.

travail écrit par Ilona Moro et Léa Damiens (3èmeC).

THEMATIQUE RETENUE : « L’émancipation de la femme au XXsiècle ».OEUVRES RETENUES : « La maternité » de Pablo Picasso et « Autoportrait dans la Bugatti verte » de Tamara Lempicka.Depuis toujours, les femmes ont eu la même place dans une société presque exclusivement masculine & ce n’est qu’au XXème siècle que la condition féminine a commencé à évoluer, les modes de vies a changé et surtout les mentalités.L’œuvre de Picasso, plus ancienne, offre une image conventionnelle, traditionnelle et douce de la femme. Il nous montre le côté maternel et protecteur de la femme. Tandis que Tamara de Lempicka, dévoile une nouvelle facette de la gente féminine en dessinant une femme au regard sûr, déterminé… Une femme EMANCIPEE !Entre l’époque de Pablo Picasso et celle de Tamara de Lempicka, on remarque une très nette évolution de la condition et de la mentalité féminine.Pour résumer, la condition féminine n’a pas encore vraiment évoluée. Les femmes comme Tamara De Lempicka sont une minorité et sont considérées comme des  »rebelles ».L’émancipation de la femme met du temps et encore aujourd’hui, dans certains pays, les femmes ne sont pas  »libres » et n’ont pas les mêmes droits que les hommes.Nous avons choisi ces deux œuvres car nous trouvons que le contraste entre ces deux tableaux, ces deux artistes, ces deux époques était très intéressant. Picasso voyait le côté doux & sensible des femmes alors que le tableau de Tamara de Lempicka résonne comme une provocation.Le terme « garçonne » qualifie un courant de mode du XXsiècle, qui s’est manifesté pendant les années folles. La garçonne naît à proprement parler dans les années folles. Incarnation de la liberté sous toutes ses formes : sociales, intellectuelle, politique et sexuelle, la garçonne ouvre la voie au féminisme. En optant pour un look définitivement masculin elle envoie un signal fort, provocateur et revendicateur : « Je suis l’égale de l’homme. ».Ainsi, elle compte bien accéder aux privilèges de son alter ego : le cigare, le sport, les voitures et les jolies filles.Au-delà d’un style propre aux années 1920 ( Les années folles ), le phénomène garçonne, né de l’émancipation des femmes et d’une revendication pour l’égalité des sexes.

Marc Jourdan

Brèves

Menu cantine de la semaine

Semaine du 18 au 22 avril 2016

Lundi:
Salade composée
Pâtes bolognaise
Fromage/fruit
Mardi:
Crudités
Poulet à la crème/Gratin de patates
Yaourt
Jeudi:
Hors d’oeuvre variés
Sauté de veau aux olives/Riz
Glace
Vendredi:
Salade d’endives
Saumon au four/galettes de légumes
Pâtisseries

Sébastien Grisoni

devinette :

Dans un pays lointain, un roi voulait faire construire un escalier pour atteindre les nuages… Ses architectes lui proposèrent l’escalier de trois marches dessiné ci-dessus. Combien de cubes de pierre seraient nécessaires pour un escalier de 1000 marches ?

Dans un pays lointain, un roi voulait faire construire un escalier pour atteindre les nuages… Ses architectes lui proposèrent l’escalier de trois marches dessiné ci-dessus. Combien de cubes de pierre seraient nécessaires pour un escalier de 1000 marches ?

Mr Jourdan

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